Geboorte van Venus

)

De geboorte van Venus is een schilderij in tempera op linnen door Sandro Botticelli, daterend uit ongeveer 1482-1485. Gemaakt voor de Medici villa van Castello, het kunstwerk is momenteel in de Galleria degli Uffizi in Florence.

Iconische werk van de Italiaanse Renaissance, vaak beschouwd als een symbool van Florence zelf en zijn kunst, was misschien ooit hanger met de al even beroemde Spring altijd Botticelli, waarmee het de aandelen van de historische herkomst, grootte, en enkele filosofische gevonden. Het is één van de hoogste esthetische vormgevingen van de Florentijnse schilder, alsmede een universeel ideaal van vrouwelijke schoonheid.

De geboorte van Venus is altijd beschouwd als de perfecte idee van vrouwelijke schoonheid in de kunst, evenals David wordt beschouwd als de canon van de mannelijke schoonheid. Aangezien beide werken worden bewaard in Florence, de Florentijnen bogen op het bezit van de kanunniken van artistieke schoonheid binnen de stadsmuren.

Geschiedenis

De historische reconstructie van de gebeurtenissen in verband met de geboorte van Venus, gereconstrueerd door Horne in 1908, heeft veel overeenkomsten met die van de lente.

Vasari, in 1550, citeerde hij het schilderij samen met de lente in de Villa di Castello, die op het moment van Botticelli was in handen van de broers Giovanni en Lorenzo de 'Medici "gewone volk", jongere neven van Lorenzo de Magnificent. Dit heeft vaak aan dat de ontwikkelaar was Lorenzo di Pierfrancesco de 'Medici, die werd gemaakt om de lente te schilderen, en dat de twee schilderijen maakten deel uit van dezelfde mythologische cyclus van die ook een deel van de Pallas en de Centaur, altijd aan de Uffizi, en Venus en Mars in de National Gallery in Londen. Eigenlijk geen werk in die herkenbaar is de geboorte van Venus is opgenomen in de inventaris van de villa van 1498, 1503 en 1516, dus er was zeker droeg het later voor het bezoek van Vasari. Op het moment van de verwijzing Vasari was het gebouw in handen van Cosimo I de Medici, die wel in staat zijn om het schilderij erft van zijn voorouders van de branche "Commoner" was geweest, maar ook hebben gekocht voor eigen rekening of hebben het weg genomen tijdens een aanval staat. De eerste vermelding in een inventarisatie van de villa dateert uit 1598.

De geboorte van Venus wordt algemeen beschouwd als een werk voor de Lente. Volgens beide werken dateren uit een periode in de buurt, na de terugkeer van de schilder van Rome naar een aantal scènes in de Sixtijnse Kapel of onmiddellijk vóór de reis te schilderen. Anderen Lente werd voor het eerst geschilderd en de geboorte van Venus na de reis. De puntige Yashiro 1487, Salvini 1484; moderne kritiek wordt vandaag geneigd plaats voor 1486.

Er zijn een aantal replica's van de workshop over het onderwerp, gedateerd door het einde van de eeuw: een van de Staatliche Museen in Berlijn en met variaties in de collectie Aynard Lyon.

Door de eeuwen heen is dit schilderij een van de iconen van de Italiaanse cultuur algemeen bekend. Dankzij deze, is een detail van de Geboorte van Venus gebruikt in de Italiaanse euromunt waard tien cent.

Beschrijving

De bron van de mythe was bijna zeker een van de kamers van Poliziano, op zijn beurt, geïnspireerd door Ovidius, de genealogie van Hesiodus, de De Rerum Natura van Lucretius en een Homerische hymne. In tegenstelling tot wat de titel waarmee het werk bekend is, is het niet verbeelden de geboorte van de godin, maar zijn aankomst op het eiland Cyprus.

Venus voorschotten licht drijvend op een schelp op het oppervlak van het water golfde door de golven, in al zijn gratie en onvergelijkbare schoonheid, naakt en afstandelijk als een prachtige oude standbeeld. Het wordt gedreven en verwarmd door de adem van Zephyr, de wind bemesten, knuffelen een vrouwelijke personage die de fysieke daad van liefde, die Venus beweegt met de wind van passie symboliseert. Misschien is de vrouwelijke figuur is de nimf Chloris, of misschien wel de wind Aura Bora.

Aan de oever van een jong meisje, een van de uren die de leiding over de wisseling van de seizoenen, vooral de lente, de godin geeft een prachtige mantel geborduurd met roze bloemen om haar te beschermen. Het is de kuise maagd van Venus en heeft een zijdeachtige jurk rijkelijk versierd met bloemen en slingers van rozen en lelies, de bloemen die de godin Flora gevonden in de buurt van het lichaam van de geliefde Cyanus.

De pose van de godin, met de uitgebalanceerde combinatie van "tegenstellingen", afgeleid van het klassieke model van de Venus Anadyomene en ingetogen, waarvan de Medici bezat een klassiek standbeeld sinds 1375 door Benvenuto Rambaldi aangehaald. Het gezicht lijkt te zijn geïnspireerd door de kenmerken van Simonetta Vespucci, de vrouw van de korte levensduur en de schoonheid "ongeëvenaarde" gezongen door kunstenaars en dichters Florentijnen.

Interpretatie

Het werk verbergt Neoplatonische allegorie gebaseerd op het concept van de liefde als een levengevende energie, als de drijvende kracht van de natuur.

Voorzeker, de naaktheid van de godin niet vertegenwoordigen voor tijdgenoten een heidense verheerlijking van vrouwelijke schoonheid, maar het concept van Humanitas, opgevat als spirituele schoonheid die puurheid, eenvoud en de adel van de ziel vertegenwoordigt. Het is niet toevallig werd gemaakt van een parallel tussen Venus en de christelijke ziel, die geboren is uit de wateren van de doop. Het zou dan ook worden opgevat als een allegorie van de aandrijfkracht van de natuur en de figuur van de godin en het leggen van Ingetogen Venus zou de personificatie van de hemelse Venus, symbool van zuiverheid, eenvoud en onopgesmukte schoonheid van de ziel vertegenwoordigen.

Dit was inderdaad een van de fundamentele concepten van het humanisme neoplatonische, terug op vele manieren in de andere mythologische schilderijen van Botticelli gemaakt rond dezelfde tijd.

Techniek

Botticelli gebruikt dit werk op het doek, zeer ongebruikelijk in de Renaissance Florence ondersteunen. Twee vellen van linnen werden aan elkaar genaaid en vervolgens werd un'imprimitura gips gekleurd met een beetje 'blue toegevoegd, teneinde de bepaalde toon blued in het gehele schilderen geven.

Het schilderij gebruikt de techniek van tempera helling, namelijk color opgelost in dierlijke en plantaardige lijm als een bindmiddel, dat een buitengewone helderheid die het rendement van het fresco gaf. Overvloedig is het gebruik van goud voor wat, liggen hoofdzakelijk twee technieken: een "brush", zoals in Venus haar en "mission", dat wil zeggen met de toevoeging van bijtmiddel aan de stammen en bladeren.

Stijl

In het werk leesbaar enkele stilistische kenmerken typerend voor de kunst van Botticelli.

Compositie

De samenstelling is zeer evenwichtig en symmetrisch: de adem van het leven aangeboden door de twee winden en de nimf zijn de twee zijden van een perfecte driehoek aan de bovenkant van die staat Venus wordt dan de mediaan element van de hele scène. Dit kan ook betekenen de noodzaak van evenwicht in de ervaring van liefde, tussen de fysieke passie en geestelijke zuiverheid, tussen de verheerlijking van de zintuigen en de verheffing van de ziel. De cijfers aan weerszijden van Venus in feite acties uitvoeren tegenover maar evenwichtig geheel.

Botticelli, waarschijnlijk volgens de instructies van de De Pictura Leon Battista Alberti, beperkt het aantal cijfers en self-made alle elementen van samenstelling, bijna net zo gewoon naast elkaar.

Ontwerp en online

Het ontwerp is een harmonieuze, delicate; de lijnen zijn elegant en te creëren, in de golven net gegolfde, blazen de kleren, in de harmonieuze stroom van het haar van de godin en hetzelfde profiel van het strand, games decoratieve bochtige en sierlijk. Onmiskenbaar is het zoeken naar ideale schoonheid en harmonie, die in de applicatie is geïmplementeerd in de voorkeur aan het tekenen en contour lijn. De vormen zijn duidelijk, verfijnd en vonden hun sublimatie in het naakt standbeeld van de godin, waarin de morele en geestelijke kwaliteiten, volgens de neo-platonische leer, samen met zijn fysieke schoonheid. Typisch voor de kunstenaar is de enigszins melancholisch, maar sereen, meanderende in ziet.

Ruimtelijkheid

De ruimtelijkheid in hoofdzaak vlak of op zijn minst net noemde en die de ontluikende crisis van de idealen en rationele perspectief van het begin van de vijftiende eeuw, die culmineerde in het tijdperk van Savonarola en had radicale ontwikkelingen in de kunst van de zestiende eeuw aantoont.

Volume en kleur

In elk geval zullen de aandacht te ontwerpen niet oplost in feite louter decoratieve, maar handhaaft een verwijzing naar het volume en de opbrengst geldt voor de verschillende materialen, in het bijzonder lichtgewicht kledingstukken. De lichte kleuren en scherpe, afgeleid van de techniek, licht doordringt de cijfers, door het uitbrengen van de zuiverheid piercing schoonheid.

De hoge plasticiteit van individuele lichamen balans van de afvlakking van de achtergrond en lineaire games, ook het genereren van een originele voorstelling van beweging: bij nader inzien het was in feite gemaakt door de lijnen, terwijl de cijfers lijken op magische wijze stil en opgeschort. De schijnbare onthechting van de sfeer van de zintuigen verbonden overeenkomst intellectuele emotie is de basis voor een aantal van de redenen voor de aantrekkingskracht van het werk.

(0)
(0)
Commentaren - 0
Geen reacties

Voeg een Commentaar

smile smile smile smile smile smile smile smile
smile smile smile smile smile smile smile smile
smile smile smile smile smile smile smile smile
smile smile smile smile
Tekens over: 3000
captcha